Crecimos en un barrio donde convivían muchísimas culturas diferentes: en pocos metros podías pasar de una tienda pakistaní a un bar de toda la vida o a una carnicería marroquí. Recuerdo adaptarme con facilidad. Estudié secundaria en el Raval y más tarde trabajamos en el restaurante de nuestros tíos para ganar unas pesetas. Por allí pasaban artistas, actores, profesores... Creo que allí aprendimos que la hospitalidad no depende del lujo, sino de hacer que alguien se sienta bien recibido. Eso sigue siendo la base de nuestros restaurantes.

Siempre me ha interesado el arte: dibujar, pintar, la escultura, el interiorismo, las proporciones, los pequeños detalles. Incluso en el restaurante de mi tío empecé a crear platos con los productos que ya teníamos, diseñar la carta, decorar el local... Esa mirada sigue presente. Cuando doy forma a un restaurante, pienso más allá de la carta: imagino cómo se va a mover la gente, qué verá al entrar, con qué sensación se marchará. Lo construyo casi como una fotografía, de modo que todo lo que aparece dentro del encuadre debe responder a un porqué.

Casi siempre. No hacemos grandes estudios de mercado, preferimos preguntarnos qué nos gustaría, qué echamos de menos en Barcelona o qué podría hacerse de una manera más actual. The Fish and Chips Shop nació precisamente porque no encontrábamos uno que nos convenciera. La intuición es importante, pero la idea también tiene que ser clara: si necesitas veinte minutos para explicar un concepto, seguramente aún no está bien resuelto.

Normalmente empieza con una idea muy sencilla: qué queremos cocinar y cómo queremos que se sienta la gente. A partir de ahí aparecen el nombre, el espacio, la gráfica y la manera de comunicar. El diseño está desde el primer momento; no lo entendemos como una capa que se añade al final para que el restaurante sea bonito, sino que tiene que estar conectado con la comida, el precio y el tipo de servicio, desde el logo hasta la vajilla.

Partimos de recuerdos reales, pero no intentamos reconstruir literalmente el pasado. Cocinamos desde lo que somos ahora: dos hermanos nacidos en Pakistán y criados en Barcelona. Respetamos los sabores, pero nos permitimos cambiar el formato o presentarlos de otra manera. La tradición tiene que evolucionar para seguir viva. No queremos hacer una representación folclórica de Pakistán; queremos mostrar cómo vivimos hoy nuestra identidad pakistaní, catalana y barcelonesa.

Antes parecía que un buen restaurante tenía que ser formal, caro y seguir unos códigos muy concretos. Hoy puedes comer increíblemente bien sentado en un taburete y bebiendo un vino natural, sin manteles ni ceremonias. Eso no significa que haya menos rigor detrás. Creo que ahora valoramos cada vez más comer bien, sentirnos cómodos y encontrar sitios con personalidad.

Nos interesan los vinos con personalidad, elaborados por pequeños productores y con una historia detrás. Tampoco queremos que el vino sea algo distante o reservado para expertos, sino que acompañe la comida de una manera más relajada. Crear nuestros propios vinos Alam fue una manera de acercarnos todavía más a ese mundo y de construir algo junto a productores con los que compartimos esos valores.

Intentamos no hacer por hacer. Nos gusta seguir de cerca los restaurantes, escuchar a los equipos y continuar haciendo cambios. Tampoco queremos que todos nuestros locales se parezcan: preferimos que cada marca tenga su propia personalidad, aunque eso complique la gestión.

Son los que más te obligan a dejar el ego a un lado. Durango, por ejemplo, nos hizo entender que nos sentimos más cómodos con conceptos sencillos, directos y fáciles de comprender. Preferimos morir con nuestra filosofía ofreciendo buen producto antes que ofrecer porquería y seguir vivos. También hemos aprendido que una buena cocina no es suficiente. El momento, la ubicación, el precio, el equipo y la claridad del concepto tienen que estar alineados.

Me encantaría crear un gran espacio social alrededor de la comida, donde pudieran convivir distintos conceptos, música, arte y entretenimiento. Algo a medio camino entre un restaurante, un club y un punto de encuentro para la ciudad.

Recuerdo muy bien una excursión a La Pedrera. Debía de estar en sexto de primaria, tendría unos diez años. Hice muchas fotos y, cuando las revelamos y las enseñamos, había un par que todo el mundo decía que eran muy bonitas. Me atrapó la sensación de haber hecho algo que gustaba a la gente. Desde aquel día, te juro que hay una parte de mí que quiere hacer cosas para que la gente las mire y piense que son lindas.

Ambas. Me engañaría si te dijera lo contrario. Por mucho que me guste una imagen, cuando también le gusta a alguien más, añade algo. Es horrible decirlo, ¿quizá haya un punto de ego? Cuando viajo por el mundo, me fijo constantemente en lo que tengo alrededor: la luz, la gente, los gestos... Tengo millones de fotos y vídeos que no he publicado ni publicaré nunca, pero que reviso de vez en cuando para buscar inspiración.

Entender cómo se construían, 100%. Incluso hoy, cuando veo una serie o una película, me cuesta entrar del todo porque estoy pendiente de cómo han logrado cada escena. Con la ciencia ficción, por ejemplo, me pasa mucho: veo a gente adulta actuando y hablando de planetas inexistentes y desconecto. De pequeña me generaba una curiosidad enorme saber cómo se hacían esas cosas. Cuando iba a Blockbuster a buscar DVDs, pasaba más tiempo viendo los contenidos extra que la propia película.

Mucho. Ahora hay reportajes en YouTube y otros formatos, pero no es lo mismo. Antes estaban las escenas eliminadas, los comentarios, los making ofs... Podías pasarte horas. Como exjugadora de baloncesto, recuerdo especialmente los behind the scenes de “Space Jam”.

Para mí, el vídeo es la combinación perfecta entre música e imagen en movimiento. Deja menos espacio a la imaginación; te lo da todo más... mascado, de alguna manera. Cuando reviso vídeos de cuando era pequeña, a diferencia de las fotografías (que me sé de memoria), es como darle al play a una imagen. Puedo volver a escuchar la voz de mi abuelo o de mi abuela, y conecto mucho más. Con la fotografía me pasa algo distinto: me parece mágico poder capturar un instante que acabará convirtiéndose en el recuerdo que conservarás para siempre. A veces salgo a la calle a hacer fotos y me fascina atrapar ese momento único en el que dos personas se cruzan y, probablemente, no volverán a verse nunca más. Siempre digo que grabo muchos vídeos de mi vida personal porque, cuando tenga cien años, tendré mi Netflix particular. Eso es lo que haré: verlo y comer.

La cojo bastante, sobre todo en mi vida personal. Creo que hago muchas fotos y vídeos por nostalgia. A veces me pasa que estoy viviendo un momento bonito y, al mismo tiempo, me entristece pensar que no volverá a repetirse, por mucho que lo haya capturado y pueda revisitarlo después.

Me impresionaba ver que la gente no se planteaba si podía o no hacer algo: simplemente lo intentaban porque creían en ello, sin preocuparse demasiado por el qué dirían. Me llevé conmigo esa ambición. También aprendí cosas que no querría para mí: son muy workaholics y no tienen ni idea de cómo disfrutar de la vida. Eso los convierte en genios y, al mismo tiempo, en sus propios verdugos. Cuando era pequeña quería vivir en Estados Unidos y ahora que soy mayor pienso: “Aquí se vive muy bien”.

Es algo que me sale de forma natural, aunque con los años he aprendido a dominarlo un poco. Soy muy observadora, me gusta escuchar esa intuición y saber que tengo una cámara cerca para capturar lo que está pasando. Incluso conduciendo, a veces digo en voz alta: “Aquí hay una foto”. Trabajando no soy demasiado técnica. Cuando hago de fotógrafa, siempre dejo claro que, si veo una imagen, no podemos parar un rodaje diez minutos para cambiar una luz, porque quizá aquello que quería capturar ya no esté. Necesito fluir y sentir la escena.

Creen mucho en lo que haces y te defienden frente al cliente. Son auténticos cheerleaders. Para mí, esa confianza mutua es clave.

Que la cámara activa una personalidad. Incluso quien se siente cómodo cuando le enfocan y está muy pendiente de cómo se coloca también está mostrando cierta vulnerabilidad. Me parece bonito observarlo, y también ver cómo se relaja la expresión cuando decimos: “¡Corten!”

No es una imagen concreta. Lo que sigo persiguiendo es generar en alguien la misma sensación que despiertan en mí algunos de mis referentes.

La luz. Hace poco me mudé y ahora estoy descubriendo cómo entra en mi cocina.

Potenciar ese relato cultural, que todavía no tenemos del todo arraigado. Es una transformación que estamos haciendo poco a poco, intentando no romper nada de lo que ya somos. A través del producto, explicar la historia de nuestro territorio y de nuestra cultura. Me gustaría que, dentro de unos años, eso fuera lo que realmente explicamos como marca.

Tengo muy presente la imagen de mi madre y yo intentando siempre hacerlo todo por mi cuenta. Desde pequeño necesitaba sentirme libre y autónomo, incluso en las tareas más cotidianas: si tenía que planchar o cocinar, debía aprender. No era tanto una cuestión de curiosidad como de necesidad de independencia.

Mi madre, en ese momento, no trabajaba y creo que, viendo que yo era bastante exigente, también me incentivó a hacerlo. Con el tiempo me he dado cuenta de que esta “manía” de autonomía me ha acompañado siempre y que, a veces, incluso me ha jugado en contra: hay momentos en los que hay que saber pedir ayuda. Lo llevo dentro. Aprendo más desde la prueba y error que desde cualquier formación, que a menudo se me ha hecho bastante aburrida.

Antes de formar parte de un equipo de marketing, con 22 o 23 años, ya me di cuenta de que lo que llamamos “creatividad” sirve, sobre todo, para dar soluciones originales a problemas cotidianos. En cuanto empecé a estudiar Comunicación, vi que formaba parte de mí y, más adelante, que era la base de mis propuestas cuando algún compañero me planteaba un problema.

Me encanta que haya sido así, haber pasado por diferentes ámbitos, porque cuando llegas a una posición de liderazgo estás mucho más tranquilo: conoces la técnica, los procesos y sabes cómo ayudar a tu equipo. Todo esto nace de una parte muy creativa y de acción que, con el tiempo, se transforma en una mirada más directiva.

No sé exactamente cómo se hace, es lo que estamos intentando. Pero si tienes interés por el diseño en global, ya tienes una motivación muy grande para inspirar desde esa posición. Para nosotros es importante dar sentido a todo lo que hacemos: no hacer un producto o elegir unos colores porque sí, sino explicar qué hay detrás. Eso es lo que intentamos transmitir a través de nuestros canales y de la comunidad.

Creo que tenemos una manera de hacer muy propia de esta área geográfica. En Viefe somos muy detallistas y queremos que la gente con nosotros se sienta bien; cuando conectamos con diseñadores, clientes o interioristas, se genera esa atmósfera de proximidad. Eso es el Mediterráneo: una forma de hacer más abierta, con luz, con materiales nobles y honestos. Y es desde ahí desde donde queremos explicarnos. Utilizar esa identidad cultural para acercarnos más al mercado y a la comunidad, sin miedo.

Trabajar con un producto pequeño, como el pomo de un mueble de cocina o la manilla de una puerta, te lleva inevitablemente al detalle. Eso, en nuestro caso, ya forma parte de la cultura de Viefe: venimos de hacer botones, que son todavía más pequeños. Todos estos gestos están concentrados en una superficie muy reducida. El reto es combinar esa mirada tan precisa con una visión más abierta. Es fácil quedarse en el detalle, pero hay que levantar la cabeza. Mantener ese equilibrio es clave.

Tienes que tener proyectos que te hagan sentir incómodo. Es la forma de avanzar. Esa inquietud te genera estrés, pero es lo que te mueve. Si cada día te sientes cómodo haciendo tareas que no te suponen ningún esfuerzo, no avanzas. En cambio, esos proyectos que te sacan de la zona de confort te obligan a pensar más allá y te abren a nuevas personas, problemas y maneras de hacer.

Supongo que no, pero ya lo frenaré.

Veníamos de una marca muy centrada en producto y B2B, y estábamos en un momento de transición hacia una marca que también quiere inspirar. Necesitábamos hacerlo visible. Al principio, el catálogo seguía un formato más estándar, pero no lográbamos conectar con lo que queríamos explicar. Fue entonces cuando decidimos arriesgar y apostar por un formato más editorial. Con Atipus trabajamos ese híbrido entre revista y catálogo, que nos permitía construir un discurso más narrativo, vinculado al diseño, al territorio y a nuestra historia. Fue un proyecto incómodo, con poco tiempo y sin referentes previos, pero era lo que el momento nos pedía.

Creo que todo empieza por conocer a las personas que hay detrás del proyecto. No te puede dar miedo ser exigente si al otro lado tienes a alguien que también lo es y que quiere el mejor resultado. La clave es poder hablar con honestidad y decir las cosas como son.

Primero, dando confianza. Si tienes claros los objetivos, da igual cómo el equipo llegue a ellos: cada uno tiene sus mecanismos y su manera de trabajar. Por eso apostamos por la flexibilidad, también con el teletrabajo. Eso genera comodidad y conciliación. Y después, evitar el “micromanagement”: definir bien qué queremos conseguir y dejar que cada uno encuentre su camino. Cuando das esa libertad, recibes implicación.

Potenciar ese relato cultural, que todavía no tenemos del todo arraigado. Es una transformación que estamos haciendo poco a poco, intentando no romper nada de lo que ya somos. A través del producto, explicar la historia de nuestro territorio y de nuestra cultura. Me gustaría que, dentro de unos años, eso fuera lo que realmente explicamos como marca.

Llegué a la carrera y no me vi cinco años ahí. Mientras tanto hacía un montón de cosas que me iban dando conocimientos que, a su vez, me abrían puertas laborales o pequeñas colaboraciones. Me empecé a enganchar a eso. Con las carreras siempre me pasaba lo mismo: me apasionaba una parte y la otra me horrorizaba. En Sociología disfrutaba muchísimo, pero luego estaban Estadística o Economía, que no había manera de sacar adelante. Tenía un expediente de notables y matrículas de honor mezclados con suspensos imposibles. Al final entendí que necesitaba elegir cosas que me gustaran más y fueran más concentradas en el tiempo para dedicarme de lleno a lo que sí me interesaba.

La gente. Soy un monstruo social. Mi familia es muy pequeña: soy hija única, sobrina única, nieta única. He tenido que construirme una familia fuera, y eso lo he hecho a través de amigos y también del trabajo. La militancia me enseñó a hacer comunidad, a convivir en equipo más que a “trabajar” en equipo. Aprendí a hablar en público, a contar un proyecto comunitario de forma que interesara, a charlar con todo tipo de personas. He tenido que explicar un realojo a vecinos que iban a ser desahuciados y, al mismo tiempo, sentarme con la administración para negociar ese realojo. Esa capacidad de traducir y de moverme entre mundos distintos la aplico constantemente en lo profesional.

Ahora cuesta más movilizar, se nota que ha habido años de desconexión. Antes convocabas una reunión en el polideportivo del barrio y venía un montón de gente; ahora arrancar está tomando más esfuerzos. La implicación está más parcelada: los mayores se preocupan de las pensiones, los jóvenes de la vivienda, los sanitarios de la salud pública… Me surge la duda de si es generacional o si bien se ha perdido aquella explosión del delegar. Curiosamente, todo lo que ocurre fuera de las pantallas, como el puerta a puerta, funciona mejor que nunca. La gente agradece que alguien se plante delante de su casa y escuche.

Quizá es conservador decirlo así: la comunidad. No la familia de sangre, sino la que eliges. Tengo un grupo de amigos desde los doce años (algunos incluso desde los tres) y seguimos viéndonos, hacemos dos viajes al año y mantenemos una cotidianidad. Cuando estuve completamente absorbida por el trabajo, durante los primeros años de Podemos, me di cuenta de algo: podía pasar todo y, al volver, era como si los hubiera visto ayer.

Vivirlo casi desde cero fue un privilegio. Éramos tan vírgenes en términos de comunicación que nos atrevíamos a todo. Si funcionaba, seguías tirando del hilo; si no, probabas otra cosa. Parte de la frescura de aquella etapa tuvo que ver con eso, con no tener miedo. Luego la prudencia excesiva. Ahí se pierden oportunidades. Las chapas de “Perra Sanxe”, por ejemplo: alguien decidió hacerlo. Si no funcionaba, eran 3.000 chapas en un cajón. Pero funcionó.

Es complicado porque la administración pública no está pensada para trabajar con diseño. No es una cuestión de mala voluntad funcionarial; es que la contratación pública no tiene un hueco claro para esto. Hay que generarlo usando los mecanismos que existen: acuerdos marco, contratos específicos… siempre con garantías jurídicas. Hay reticencia a trabajar con agencias de comunicación. Normalmente marca más la línea la autoridad jerárquica que la competente. Y ahí mi papel es traducir: convencer a la administración de que confíe en la agencia y explicar a la agencia los límites reales de la administración. El idioma del diseño le cuesta mucho a lo público. Mi trabajo es mediar y contener expectativas.

Viví una etapa en el Ayuntamiento en la que vi lo que el diseño podía hacer de verdad. Después de eso, cuesta conformarse. Siempre puedes hacer menos, pero si tienes margen para hacer una campaña con luz y con relato, ¿por qué no hacerlo? Ahora estoy trabajando, por ejemplo, el 1 de mayo, que nunca se había comunicado desde el Ministerio. Me gustaría que este mandato construyera un relato propio alrededor de esa fecha. Creo que lo que funciona es salir ligeramente de lo que la gente espera. Y, si te soy sincera, lo mejor que puede pasarle a una campaña es que genere un titular. Bueno o malo. Si genera conversación, existe.

Parte de mi trabajo es rastrear agencias. Tengo una pequeña base de datos a la que acudir según el encargo. Busco especialización y profesionalización, algo que la administración no siempre ha cuidado. También intento fijar un método: se presentan varias ideas, se elige una y se avanza sin volver atrás. En diseño no puedes trabajar como si fuera un informe administrativo. 

Conocía a Atipus del Ayuntamiento. Ya entonces veía cómo trabajaban. Fueron campañas que necesitaban un concepto sólido, no solo una imagen. En la administración muchas veces se piensa en “dibujitos”. Aquí lo tipográfico era clave: era supervisual, leías el banner casi sin querer si das con él hojeando el periódico. Mi papel fue facilitar la relación, porque no siempre hay experiencia trabajando con agencias. Traducir, acompañar, dar confianza. Trabajar con Atipus ha sido una garantía. Nos hemos entendido muy bien. Es una relación generosa.

No se le puede achacar a la sociedad. La institución debe tener vocación de servicio público y vocación de contarlo. En un ayuntamiento es más fácil: puedes construir un relato de ciudad. Cuando eso ocurre, la ciudadanía se identifica, incluso siente pertenencia. A nivel estatal es más complejo construir un relato de país, pero sí puedes generar identificación con el servicio público. Eso no pasa solo por invertir más dinero, sino por revisar contratación, concursos, acuerdos marco y por valorar de verdad el diseño como herramienta de implicación.

Todo. Si con la misma ley de contratación en 2015 se pudo hacer lo que se hizo, hoy también se puede. El problema es que no puede depender solo de la voluntad política de un mandato. Hace falta profesionalizar y consolidar equipos especializados en publicidad y diseño dentro de la institución. Si no, cada cambio de gobierno lo resetea todo.

MARIO: Bailo muy mal. Tengo algún problema de oído que me impide llevar el ritmo. ¡De veras! Cuando era chico, mi maestra de música me decía: “Mueve la boca, pero no cantes”. Iba a la discoteca y me iba a la barra. Me hubiera gustado la sardana.

MARIO: Llegar fue un shock: me encontré con la Barcelona de Mariscal, vivía en la Rambla y apenas conocía a nadie. Pronto me hice amigo de América Sánchez y Carlos Rolando y entendí la otra Barcelona, la de las galerías de arte. Cada época tiene su momento. Claro que la echo de menos, pero trasladarla a hoy, la era digital, sería imposible. Ojo, no reniego de lo que hay ahora.

MARIO: Si te digo la verdad, fumaba Ducados. En las tantas intentonas de dejar de fumar, dije: “Voy a volver con Light”. Y la etiqueta que más me gustaba era la de Camel Light.

MARIO: No me organizo. Para mí, trabajar es vivir. Hay pocas cosas que me gusten fuera del trabajo y se pueden complementar. Mis parejas participan en mis trabajos de alguna manera o me dan las horas para que yo trabaje. También tengo amigos, hago una vida afuera (claro que la mayoría son diseñadores, así que las charlas giran en torno al trabajo).

MARIO: No me siento nunca creativo, ¡es terrible! Lo que decía Picasso es cierto: 90% de transpiración y 10% de inspiración. Hay que estar y estar, y estar hasta que salga.

MARIO: No te creas que no. Ya de mayor se me ha cruzado la idea, pero no puedo en invierno. Me gusta esto. Lo que yo no soporto es la fobia a los turistas. Obvio hay partes molestas o incómodas, pero es tanto el beneficio… Aportan alegría.

MARIO: La vista. El gusto, el olfato… ¿con lo que fumo? ¡Já!

MARIO: Si hubiera tenido talento, el saxo o la trompeta.

MARIO: Nunca lo pensé, estoy contento con lo que hice allí. Un museo, quizás.

MARIO: Qué peligro de pregunta. Los dos son genios, pero mi corazón es de Maradona.

MARIO: Las dos. Cuando las hago yo, solo con limón porque es menos trabajo.

MARIO: Nunca. Ahora que es la vejez, viruelas, estoy viendo homenaje aquí y allá y digo “Algo habré hecho”. Disfrutando a tope, entre 2000 y 2015, porque llegó un momento, por casualidades de la vida, que me encontré que tenía los metros, los buses, todos los restaurantes, el banco, Santa Eulàlia, Santa Mònica... allá donde iba por la calle, estaba yo.

MARIO: Las ganas de hacer cosas.

MARIO: Ser padre. De las cosas que yo recuerdo bien de mi vida es cómo lo pasaba con ellas cuando eran chicas.

MARIO: Me hizo la vida. Me enganché de muy joven. Mi padre era arquitecto y yo me crié en su estudio dibujando planos en el suelo, me inventaba casas. De adolescente me obsesioné con los cómics, siempre me compraba libros de cómo dibujar, hasta que me tuve que ir a la universidad. Ya en la facultad, iba a la biblioteca (siempre me gustaron); ahí descubrí las revistas de diseño. Flipaba. De repente, unos compañeros montaron un café-concert y me pidieron ayuda con los carteles, sin tener yo mucha idea. No sabía lo que era la tipografía. Ahí empecé.

MARIO: ¿Pregunta polémica? ¡Ninguna! Argentina.

MARIO: Depende de quién haga el briefing, no siempre.

MARIO: Cuando trabajaba en el canal de televisión, había muy poco dinero. No podíamos usar muchos colores; por eso siempre, de la cuatricromía, elegíamos dos para que hicieran tres. Siempre el esténcil me sugirió el tío que pinta la letra. Procuro que todo lo que hago cueste lo mínimo.

MARIO: El onigiri, por supuesto.

MARIO: No es difícil; es más, me siento más lúcido que antes. Lo feo es envejecer físicamente; ya no soy tan ágil. Estuvimos tres semanas sin ascensor y subir seis pisos tres o cuatro veces al día fue un drama. Me duele el edadismo, lo noto horrores.

MARIO: No me significó nada. Peor, incluso: era como si te dijeran “te jubilamos”. Honestamente, nunca me importaron los premios.

MARIO: Nada nuevo. Igual ahora voy más a lo concreto.

MARIO: ¿Querés que te diga que no lo sé? Al menos, no para un trabajo en concreto. Nunca he cobrado tanto como la gente se imagina.

MARIO: Dedicarme al diseño.

MARIO: Barcelona. En algún momento estuve cruzado y pensé en irme a Oporto.

MARIO: Vivo el estudio como familia. Cada persona que trabaja aquí es como un hijo y hay que ayudarlo en todo lo posible. Igual, hasta en los créditos: en la portada de los libros que hacíamos, yo firmaba junto con el diseñador que trabajaba en ese proyecto.

MARIO: Histérico, neurótico, ansioso, divertido, mujeriego.

MARIO: Darme cuenta que lo que hacemos no le importa a nadie.

MARIO: Porque soy muy friolero. ¡En verano, sí! Además, voy tatuado.

Las instituciones son personas, aún más en el caso de las asociaciones. La evolución viene precisamente de la mano de las personas que forman parte de ellas: de los socios y socias que se incorporan a las juntas directivas, gente joven que aporta ideas y quiere compartir sus inquietudes e intereses con los demás. Todo eso hace que una entidad tan dinámica como el FAD esté en constante cambio de manera natural. Si hay una palabra que nos define, esa es la perseverancia: somos un referente indiscutible en la promoción del diseño, y la constancia de nuestro activismo hace que se nos escuche y se nos respete. Ya existe toda una maquinaria que posibilita proyectos con larguísimas trayectorias, como los Premios FAD, Laus y Delta —con más de sesenta años de historia—, y que siguen siendo los más rigurosos y respetados por los profesionales de los distintos sectores. A la vez, vamos creando proyectos que responden a nuevas necesidades, como el Sustainable Challenge o el Disseny Market.

La forma de comunicar el sector —tanto el nuestro como cualquier otro— ha cambiado radicalmente, como también lo ha hecho el mundo. En cualquier caso, no puedo hablar de profesiones que no son la mía, pero sí puedo decir que, al final, cambian las herramientas, la tecnología y los formatos, pero la esencia de toda profesión sigue siendo la misma.

Me cuesta mucho ser objetiva cuando se habla de Barcelona, porque estoy demasiado implicada. Creo que hace veinte años éramos los primeros de la clase de forma indiscutible, y ahora hay otros buenos estudiantes, como Madrid, donde se concentra el poder financiero y político, o Valencia, con un sector del mueble muy unido. Aun así, pienso que aquí tenemos una ventaja: el tejido creativo e industrial es real, numeroso y muy potente; no tenemos que inventarnos ninguna historia. Además, contamos con el Disseny Hub, y no todas las ciudades disponen de un equipamiento dedicado en exclusiva al diseño. Hay que reivindicarlo.

Es difícil, y a veces no somos coherentes. ¡Esa es la gracia! Reunimos entidades asociativas con profesionales de naturalezas muy distintas, como un arquitecto y un artesano, y está bien que sea así. La diversidad es lo que hace al FAD interesante, porque al final las fronteras entre disciplinas creativas son muy difusas. Diría que lo que nos ayuda a ser coherentes en la comunicación es tener herramientas comunes —como una marca, un boletín o una web— que nos permiten no solo poner orden en la cantidad de información y proyectos que generamos entre todos, sino también ser más eficientes en el uso de recursos. Siempre hemos tenido claro que hay que dar alas a la creatividad y que cada proyecto debe poder tener su propia identidad para invitar a los profesionales asociados a participar. Además, a menudo apostamos por gráficas y campañas de creadores jóvenes que quizás, desde el ámbito empresarial o público, se considerarían demasiado arriesgadas. Pero si no lo hace el FAD, ¿quién lo va a hacer?

Velamos para que siempre puedan participar perfiles muy diversos. No existe una entidad que agrupe tantas disciplinas en ningún sitio, o al menos no en Europa. Somos únicos.

Cada profesión vive el diseño de manera diferente, y a la vez hay un componente común en el hecho creativo que las une. Es muy divertido descubrir “intrusos” entre los distintos profesionales, porque las disciplinas no son espacios estancos, sino que están muy interrelacionadas: arquitectos que diseñan joyas, diseñadoras gráficas que hacen moda o industriales que juegan con la artesanía.

La comunicación es esencial en una entidad como la nuestra. Si no comunicamos, no existimos: no hay público, no se crea comunidad, el mensaje no llega a la sociedad. Evidentemente, antes de comunicar debemos preparar proyectos que respondan a las inquietudes del sector. Quizás es una percepción personal, pero los vínculos en el entorno digital no son tan reales como cuando nos encontramos presencialmente. Desde el FAD ofrecemos muchas oportunidades de conexión para fomentar esa proximidad, para hacer piña.

La misión era complicada porque este año teníamos varios frentes abiertos que queríamos empezar a resolver con la nueva identidad. Por un lado, queríamos crear un sistema gráfico reconocible para nuestro público y que nos anclara, aunque la gráfica variara cada año, ya que los cambios de ubicación del mercado en los últimos años dificultaban su identificación —más aún en plena campaña de Navidad. Por otro, queríamos transmitir que el diseño no es elitista, sino que allí se encuentran objetos que forman parte de nuestro día a día. Y, finalmente, buscábamos calidez.

Muy fácil, nos entendieron enseguida. Atipus lo ha resuelto creando un sistema con mucha personalidad. Estoy muy ilusionada con la campaña, ¡la ilustración es preciosa!

La comunicación cultural a menudo debe transmitir ideas complejas que solo pueden expresarse a través de los canales y contenidos propios y de los medios de comunicación, espacios que dan continuidad a los mensajes simplificados de las redes sociales. Por tanto, les diría que no pierdan de vista la visión global y el objetivo final de las instituciones y sus proyectos. Debemos dar voz a los creadores, a los pensadores, a los comisarios. El cartel en la calle o el post en Instagram son puertas de entrada a un universo más profundo que también hay que cuidar.

Me gustaría aprender más sobre arquitectura y su historia. Es un tema que cada vez me interesa más y al que me gustaría dedicarle más tiempo.

Compromiso. Siempre he pensado que si haces algo sin comprometerte, no tiene peso. Me salga bien o no, lo doy todo e intento hacerlo lo mejor posible. Trabajo en un espacio público y nunca he encajado con la imagen del funcionario que no curra. Me involucro como si fuera mi casa o mi empresa, porque nunca he perdido la hoja de ruta, independientemente del concejal o del alcalde. Lo que realmente me mueve es el servicio público: mi función es tender puentes entre el sector literario y la ciudadanía, a veces a costa de la vida personal. Si pudiera decirte una segunda palabra, sería “pasión”. Tengo la inmensa suerte de trabajar en una materia que me encanta.

El espacio y la herramienta para despertar el espíritu crítico, cultivar el conocimiento, disfrutar de la belleza… Es el terreno donde conocer el alma humana y crecer por dentro, y eso la hace absolutamente necesaria. No me gusta el concepto de “consumir cultura”, porque tiene una connotación economicista.

Todos mis proyectos parten de la literatura, pero siempre buscan abrirse a otros lenguajes. Tengo la fortuna —y la voluntad— de trabajar con todo el arco artístico: música en directo, escenografía, interpretación, audiovisual… Cuando comparto un proyecto con el elenco, deja de ser mío y pasa a ser de todo el equipo. En un ensayo general, a dos horas del estreno, un error se ha convertido en un giro inesperado. De esas cosas se aprende mucho. Yo me iré y los proyectos quedarán, pero lo que me llevo es la implicación emocional y personal de las personas que me han acompañado.

Yo siempre tengo una página en blanco, no es ninguna hipótesis. Cuando termino un proyecto, ya estoy pensando en el siguiente. El trabajo es cíclico y eso me obliga a ser muy organizada. ¡Me fastidia! No me deja improvisar como quisiera. Tengo una carpeta donde apunto todas las ideas de proyectos que se me ocurren y recurro a ella siempre que puedo. Hay tantos que me apetecen… pero el tiempo es limitado. Ahora estoy esbozando cómo será el acto público que organizaremos para los Premios Literarios Lleida 2025 en noviembre.

Entré en el Ayuntamiento casi por casualidad. Empecé corrigiendo y traduciendo textos municipales. Al poco tiempo, hubo un cambio de gobierno y los premios volvieron a ser responsabilidad municipal. Nadie me explicó cómo se organizaba un premio literario, me los confiaron y creé mi propio sistema. Los siento míos no por protagonismo, sino porque me dejo la piel. Son el legado de Magre, el gran impulsor. Él me marcó profundamente. Incluso hoy, cuando organizo el acto de entrega, pienso: “¿Esto, él lo aprobaría?”. Los premios han evolucionado con el tiempo. Han cambiado las dotaciones —ahora son de las más altas de Cataluña—, los jurados, los formatos, los espacios e incluso el tipo de público. También me ha interesado cuidar la trayectoria de los autores. Es un proyecto vivo, como debe ser la literatura.

Fondo y forma deben tener, desde siempre, coherencia. No hace falta caer en lo explícito, pero sí buscar una conexión con lo que se quiere transmitir. Es fundamental que la imagen se alimente del espíritu del proyecto para comunicarlo de forma efectiva y eficaz, dando espacio a la innovación y, si hace falta, a la ruptura; pegar volantazos cuando sea necesario para evolucionar hacia nuevos caminos. Con Atipus ha sido así: siempre han respetado mi inclinación hacia la atemporalidad (y mi aversión a la estridencia) aportando sus ideas.

Nuestra relación es de confianza y franqueza. Cuando he tenido que decir “esto no me gusta”, lo he hecho, y ellos siempre han estado muy abiertos a escuchar. No han dado su brazo a torcer, sino que han vuelto con una nueva propuesta. Eso solo lo da el paso del tiempo —casi tantos años como tiene mi hija mayor. Como un matrimonio bien avenido.

El tiempo es el tesoro más preciado de este presente líquido. Vivimos con prisas, todo sucede de forma trepidante e inconsistente. A mí me gusta apostar por lo esencial, por aquello que tiene valor y que el tiempo no licua. El libro es eso: un océano donde ser feliz a través de los mundos subterráneos que esconde entre sus tripas; un objeto que quiero, un compañero de viaje hacia la imaginación. Siempre me hago trampas guardando pequeños tesoros —entradas, notas, papeles— que redescubriré años después, como si se tratara de regalos emocionales del pasado.

Para que un árbol dé fruto, hay que saber dónde tiene las raíces, alimentarlas y abonarlas. Solo así crecerá fuerte y podrá formar parte de un bosque global donde cada árbol cuenta la historia de dónde fue plantado. Para mí, lo local es el primer paso hacia lo universal. No hay creador que no esté vinculado, de una forma u otra, al lugar donde ha nacido, a la lengua en la que piensa o al paisaje que lo ha marcado. En Lleida tenemos nombres que forman parte de la literatura catalana y universal —Pedrolo, Marçal, Margarit, Màrius Torres, Vallverdú, Viladot...— y no siempre se es consciente de ello. Por eso hay que ponerlo en valor. Si no lo hacemos nosotros, no vendrá nadie de fuera a hacerlo.

Hay muchos autores y autoras aún desconocidos que me encantaría visibilizar, descubrir o redescubrir. Pero el tiempo es tan limitado que a menudo resulta imposible despertarlos del olvido y hacer brillar su creación como se merece.

No tengo ningún miedo a la jubilación; de hecho, estoy bastante cansada. Lo que me falta es tiempo: para escribir, para las miles de lecturas que tengo pendientes, para ser espectadora… para alimentarme de cultura. Si la salud me lo permite, eso es todo lo que quiero hacer.

Durante más de veinte años he trabajado en el mundo de la corporación tecnológica, pero en paralelo siempre he impulsado proyectos personales en áreas como la gestión de activos inmobiliarios y la investigación de mercados internacionales. Me apasiona viajar y conocer culturas, quizá mis raíces africanas tengan algo que ver en ello. Todo esto, junto a mi fascinación por la naturaleza y el deporte, me ha llevado a plantear un proyecto que combina lo que sé hacer y lo que me mueve, con el propósito, quizá algo ambicioso, de contribuir a un mundo mejor.

El teletrabajo me permite organizar mejor el tiempo, trabajar con gente de todo el mundo y tener espacio para proyectos personales. Al principio, me generaba algo de estrés no tener contacto físico, pero se ha convertido en mi forma natural de trabajar. Hoy lo valoro mucho, tras años yendo a la oficina con chaqueta y corbata de nueve de la mañana a siete de la tarde. No es fácil, porque exige ser muy consciente de dónde empieza la obligación con la empresa y dónde la de los colaboradores del proyecto, pero con el tiempo se consigue. Para mí, lo esencial es ese equilibrio: poder hacer cosas que te motivan y te dan una satisfacción diferente.

Haber nacido en Melilla, supongo, despertó en mí la necesidad de conocer mundo. Crecí en una cultura mixta, entre la europea y la árabe, en contacto con la judía y la hindú. Después he vivido en distintos países, mi mujer es argentina con doble nacionalidad italiana y también mis hijos tienen varios pasaportes. Llevo años madurando un proyecto de estas características, siempre con la mirada en el norte. Historia, gastronomía, naturaleza: Galicia reúne todo lo que buscaba. Proponemos un desarrollo respetuoso con las tradiciones, que conserve la autenticidad del territorio sin explotarlo ni devaluarlo.

Desde hace cuatro empecé a mirar activamente Galicia y Asturias junto a diferentes agencias especializadas. El gran punto de inflexión fue la compra de la aldea en enero de 2023: a partir de ahí comencé a elaborar el proyecto. En 2025 iniciamos la construcción, ahora mismo está en plena rehabilitación y esperamos estar en el mercado a finales de año.

El valor diferencial de Ruralife está en conservar la esencia del lugar y mejorarla a través de la tecnología, sin transformarla. El proceso de recuperación de la aldea se ha ejecutado con extremo cuidado: se han mantenido las estructuras y materiales originales de las construcciones, mientras que en el interior hemos apostado por un diseño más moderno, siempre integrándose con el rural para evitar contraste. La tecnología tiene un peso fundamental, desde la aerotermia y las placas solares hasta la domótica, el internet de alta velocidad o un chatbot multilingüe. Si este modelo se replica en otros proyectos, podríamos acercar el mundo rural a personas de todo el mundo y generar riqueza sostenible para la comunidad local.

Muy positiva, aunque ningún cambio se logra en dos días. Galicia lleva tiempo transformándose. El año pasado participé en Turislab, la aceleradora de la Xunta, lo que me permitió entender mejor el turismo, el tejido empresarial y la forma de trabajar de las administraciones. Me confirmó que hay una gran oportunidad, siempre que no se haga de manera invasiva: no se trata de borrar lo que existe, sino de ayudar a que crezca y se abra al mundo. He encontrado gente muy orgullosa de Galicia y con ganas de avanzar. Eso ha sido un chute de energía y ha reforzado mi interés.

Un nómada digital es alguien que puede desempeñar su profesión desde cualquier lugar gracias a la tecnología. Con un ordenador o incluso solo con un móvil y conexión a internet, hoy muchas profesiones permiten esa flexibilidad. Más allá de lo económico o lo tecnológico, me interesa la vertiente humana: reencontrarse, elegir un lugar tranquilo, disfrutar de la naturaleza… No todo el mundo quiere estar en la capital de moda; muchos buscan refugios climáticos para escapar de las altas temperaturas. Ser nómada digital también significa poder disfrutar de un sitio durante meses y luego mudarte a otro, de ahí la idea de una red de aldeas. Eso sí, conlleva una responsabilidad. No se trata de explotar el rural para beneficio propio, sino de generar riqueza para la comunidad, de ayudar a que los jóvenes quieran quedarse porque lo que hacen tiene valor y se reconoce.

No es una propuesta de valor para todo el mundo, sino para un perfil de usuario que aprecia la tradición, la historia y la cultura, y está dispuesto a pagar por ello. Si todos buscáramos siempre el coste más bajo, no sería sostenible. Por eso también queremos educar. En Ruralife hemos creado una primera carta de experiencias auténticas: visitar una quesería o una conservera, recoger castañas en un bosque o conocer de cerca cómo trabaja una granja.

Vivir en distintos países me ha enseñado que no hay una única forma correcta de hacer las cosas. Esa diversidad es super enriquecedora y ha inspirado también Ruralife. Queremos abrir Galicia al mundo y proyectar su legado de forma global.

Ha sido impresionante. Me costó encontrar una empresa capaz de entender el concepto de Ruralife. Reconozco que soy muy exigente —he trabajado muchos años en marketing—, y diseñar una web, sin desmerecer, puede ser algo sencillo. Atipus ha ido mucho más allá: han acelerado el proyecto con una calidad técnica y creativa extraordinaria. Gracias a ello, hoy me siento con la confianza de comunicarlo con una visión más ambiciosa, tanto en acciones públicas como frente a inversores internacionales.

Es un proyecto pensado para crecer y replicarse. Existe una comunidad global muy consciente de la sostenibilidad y del desequilibrio mundial. Queremos construir una cultura que trascienda fronteras y proyecte Galicia al futuro.

Tengo una visión muy flexible de la vida: que tome una decisión hoy no significa que tenga que atarme a ella para siempre. No me abruma el cambio. Es curioso, porque disfruto mucho de la ciudad; de hecho, mi entorno daba por hecho que me quedaría allí. Pero llegó un punto en el que, si quería sacar adelante este proyecto, tenía sentido volver a casa. Me daba un poco de vértigo; no es fácil cuando ya te has ido. Había una dinámica familiar por reaprender.

Mi padre empezó a plantar olivos hace seis años, cuando se jubiló. Sin ningún plan en mente, simplemente le apetecía invertir su tiempo en algo que le ilusionara. Es un culo inquieto, siempre se propone nuevos retos. Yo me dedicaba al diseño de producto, y en la universidad me incomodaba que mis amigos de ciudad —aun teniendo mucha cultura— no valoraran el trabajo de mis amigos del campo. Todo mi entorno aquí es campesino: gente que volvía a la finca a las siete de la mañana tras una noche de fiesta. Me frustraba mucho que eso no se reconociera. De ahí que muchos de mis proyectos, desde que me gradué, hayan buscado tender puentes entre el campo y la ciudad.

Cuando surgió la posibilidad de hacer aceite, tenía claro que no quería que terminara como los garbanzos del súper: un producto hecho con cariño y desde la proximidad, que llega a casa sin historia y se consume sin conciencia, porque la industria lo mezcla todo y hace imposible su trazabilidad. Empezar con la única intención de diseñar una botella de aceite es una idea muy inocente, porque a medida que te metes en ello, te vas vinculando. Para mí, diseñar sin una misión no es una opción. Y una vez tienes el horizonte claro... te engancha.

Buscaba un nombre que no hablara del producto, sino de la experiencia. Quería evitar caer en tópicos como “oro líquido” o cosas por el estilo. Para mí, el aceite es la excusa: la misión sería la misma si hiciéramos quesos o zapatos. “Anècdota” nos ofrecía un paralelismo perfecto, porque nunca es la historia principal, sino la que acompaña —igual que el aceite. También me interesaba su sentido estrictamente cultural, como forma de aprender a través de pequeñas cosas del día a día. Como cuando vas al mercado y el campesino te explica de dónde viene el producto. La anécdota es lo que te hace quedarte.

Es un estilo de vida, tienes que sentirlo tuyo. El trabajo en el campo siempre ha sido familiar, y yo también lo soy. Compartir proyecto con mi padre implica reaprender a convivir, redefinir roles, tener paciencia y volver a dialogar. Pero es como en cualquier trabajo: tú te ocupas de una cosa, yo de otra, y entre todos lo sacamos adelante. Es una forma de entender el trabajo —y la vida— desde un lugar mucho más orgánico.

La parte emprendedora me viene sobre todo de mi padre, que ya había tenido su propio negocio. Sin él, Anècdota no habría sido posible, no solo por la infraestructura, sino por todo lo que me ha transmitido con su experiencia. El diseño también está muy integrado en todo lo que hago. Haber pasado por un estudio de agricultura vertical me ayudó a entender cómo se toman decisiones.

Lo tenía clarísimo desde el bachillerato. La decepción vino después, cuando vi cómo funcionaba realmente un estudio desde dentro. Ahí me di cuenta de que no quería ser diseñadora, sino usar el diseño como herramienta, como una forma de pensar.

Estudiar diseño te da una estructura, una metodología. Lo aplico cada día en Anècdota. Me permite proponer soluciones muy tangibles en el mundo rural y ver los resultados.

Hacía tiempo que seguía de cerca el trabajo de Atipus. Me puse en contacto con ellos por primera vez sin tener mucho presupuesto. Desde el principio me gustaron mucho por su calidad humana, pensé: “Cuando llegue el momento, tengo claro con quién quiero trabajar.” Y así fue.

Totalmente consciente. Hay alternativas, pero no conecto con ellas. Creo mucho en los equilibrios. No me considero especialmente idealista, dentro del sistema hay muchas formas de hacer, desde enfoques más radicales hasta propuestas de decrecimiento. Si queremos transformarlo, no podemos huir: tenemos que ir haciendo pequeños ajustes desde dentro. Con los aceites de finca, por ejemplo, estamos invirtiendo la lógica de la industria. No mezclamos cosechas, damos importancia al origen y explicamos qué hay detrás de cada botella. ¿Encarece el producto? Sí. Pero también lo dignifica. Podríamos hacerlo más fácil y más rentable, pero no nos resonaría. Y el consumidor que lo entiende... lo valora.

Desde el inicio del proyecto teníamos claro que habría una parte experiencial. Sabíamos que debíamos estar físicamente presentes en la ciudad, pero también encontrar formas de acercarla al campo. De ahí nace Espai Anècdota: encuentros en pleno sector primario, en fincas reales, para vivir el territorio desde dentro. No buscamos el paisaje más romántico, sino la realidad del campo tal y como es: con fincas tecnificadas, placas solares, depósitos, maquinaria. Eso no significa que no nos gusten las plantaciones tradicionales, pero queremos mostrar toda la complejidad que hay detrás de cada tirada.

Me gustaría que el concepto de aceites de finca estuviera plenamente instaurado, y que Anècdota fuera referencia. Tener presencia en más espacios, poder ofrecer más catas, colaboraciones y acciones compartidas... Y, si puede ser, llegar también a otras ciudades europeas.

Somos un estudio muy familiar. Las tres personas que formamos el equipo tenemos trayectorias individuales, cada una en ramas distintas —programación, diseño y comunicación—, y compartimos inquietudes. Tenemos ganas de seguir aprendiendo, de descubrir cosas nuevas y, sobre todo, de generar otras nuevas. El entorno en el que nos sentimos más cómodos es el digital, que es el que nos permite convivir como una unidad. Somos un estudio que desarrolla proyectos digitales innovadores, frescos y que aportan al sector.

Depende de hasta dónde nos dejen llegar los clientes. El storytelling es un elemento imprescindible en todo lo que hacemos: la experiencia digital no deja de ser una historia que quieres contar a un conjunto de usuarios a los que quieres llegar. Si planteas la parte técnica o la de diseño sin tener en cuenta la narrativa, acabas generando proyectos más planos, que puedes conseguir fácilmente con una plantilla. Nosotros invertimos el proceso, de manera que la técnica y el diseño respondan a una necesidad inicial de comunicación. Creamos ad hoc una estructura digital que nos permita contar una historia.

De rebote, como casi todo en la vida, ¿no? Estando en el lugar adecuado y aprovechando cada oportunidad que se presenta. Fue uno de mis primeros trabajos relacionados con nuestro ámbito, cuando aún era estudiante. Buscaban a alguien para incorporarse al departamento de Comunicación de la Universidad Autónoma de Barcelona y entré. Ya te digo, un poco por casualidad, nunca me lo había planteado antes. A medida que me fui familiarizando, me di cuenta de que realmente era un medio que me permitiría evolucionar y aplicar gran parte del conocimiento literario que había aprendido.

Desde el estudio piensas: “Haré todo lo que esté en mis manos según las necesidades del cliente”. Tenemos solvencia y experiencia, sabemos que podemos llevarlo a cabo. Evidentemente, hay negociaciones y tenemos que ceder en algunas cosas, pero en general obtenemos buenos resultados y mantenemos una relación muy buena con las familias. Ahora bien, últimamente he colaborado en concursos públicos como experta en sostenibilidad, y… ¡ostras! Cuando ves ciertas propuestas u opiniones, piensas: “¡Esto no se puede hacer! ¡Es inaceptable! ¿Cómo pueden seguir vigentes ideas tan arcaicas en arquitectura?”. Y es entonces cuando siento que tengo que gritarlo bien fuerte. Me genera mucha frustración

El mundo digital te permite construir una historia con herramientas que van más allá del texto, y eso es fantástico, porque se pierden muchos límites espaciales y temporales. Permite expandir la teoría de la narrativa y de la comunicación, en tanto que ya no estás limitado a un soporte físico, como el papel, ni a un canal.

Mucho. Aunque soy muy dependiente de las herramientas digitales en el día a día de mi trabajo, y también en el ámbito más personal, me gusta escribir en papel. Tengo libretas ordenadas por años, y ahí escribo pensamientos, notas de reuniones... Para terminar de pensar algo o visualizarlo mentalmente, necesito un soporte analógico para después traducirlo a la pantalla. También soy una gran aficionada a la cocina, a coser, recolectar flores, teñir tejidos con plantas, a la botica natural... Esa parte más terrenal me equilibra y me ayuda a no convertirme en una pantalla, que es el riesgo. Intento encontrar vías para seguir conectada con mi entorno y no perderme en un canvas infinito.

Es un juego de equilibrios. Lo que más me atrae de la programación es que te permite transformar una idea que en principio no es tangible en un lenguaje. Se parece mucho a la lingüística: es un juego de lenguajes que interactúan entre sí para transmitir un conjunto de mensajes. Estamos en los dos extremos de la visualización típica del conocimiento —la letra pura y la ciencia— que acaban tocándose y cerrando un círculo.

Entrenar la vista y compensar los elementos. Todavía estoy aprendiendo cómo puede ser que una letra o el grosor de un filete pueda influir tanto en una experiencia de usuario y hacerla agradable y usable.

Que saque al usuario de su zona de confort de una forma agradable, sorprendiéndolo, despertando su curiosidad e invitándolo a explorar.

Menos es menos y más es más. Para nosotros, la simplicidad es una filosofía que implica hacer lo que sabemos hacer, aprender de lo que tenemos alrededor y cuidar al máximo el proceso. A veces eso te permite hacer más, y otras, menos. Es en ese equilibrio donde se genera la magia, y ese es nuestro código.

Es una tendencia general. Depende del perfil del cliente, claro. Por eso nuestro trabajo muchas veces consiste en guiar al cliente y ayudarle a simplificar y sintetizar las necesidades del proyecto.
Son fórmulas, pero no es la nuestra.

Que acabas compartiendo un objetivo común. Eso genera una esfera creativa que personalmente me fascina y que termina por traducirse en productos finales más sólidos.

Compartir el amor por los códigos, cada uno desde su oficio, y construir una familiaridad y un respeto a lo largo de los años, de forma muy orgánica.

Tener una editorial.

Fue una transición planificada. Un día nos sentamos y dijimos: “Queremos cambiar de escala”. Trabajar con familias es muy bonito y emotivo —y aún lo hacemos—, pero como empresa resulta agotador. Una familia que construye su casa dedica toda su energía durante dos años, y cuando tienes estructura y equipo, implicarte al mismo nivel empieza a ser inviable y poco rentable. No era solo una decisión económica, sino también un reto profesional y una cuestión de coherencia. Estamos defendiendo una sostenibilidad radical, pero a la vez construyendo viviendas unifamiliares, que tienen un impacto brutal. No era consistente con nuestro discurso. Aun así, seguimos viendo este modelo como un laboratorio, un espacio de experimentación.

Tanto Víctor como yo somos personas muy empáticas. Slow es nuestra forma de vida. Ya nos conocimos compartiendo esa conciencia: el contacto con la naturaleza, con las personas. Con el tiempo, eso se ha intensificado —o simplemente le hemos puesto nombre. En 2006 hice un Erasmus en Finlandia, y allí ya se hablaba de cambio climático aplicado a la arquitectura, algo que en Barcelona apenas se mencionaba. Me di cuenta de que no tenía ningún sentido hacer arquitectura si no era en esa dirección. Empezamos a formarnos y entendimos que la sostenibilidad no era solo energía, sino también materiales, recursos, decrecimiento. Después del máster en Bioconstrucción que hicimos en 2015 en los Pirineos aragoneses, vimos claro que la sostenibilidad no es una inquietud: es una necesidad. Por eso creamos Slow Research, para amplificar ese mensaje. Y también el activismo: damos charlas, ofrecemos formación, participamos en grupos de acción climática… Es una parte esencial del proyecto.

He dicho “radical”, pero no en el sentido de ir a contracorriente. Diría más bien que es radicalmente consciente.

Desde el estudio piensas: “Haré todo lo que esté en mis manos según las necesidades del cliente”. Tenemos solvencia y experiencia, sabemos que podemos llevarlo a cabo. Evidentemente, hay negociaciones y tenemos que ceder en algunas cosas, pero en general obtenemos buenos resultados y mantenemos una relación muy buena con las familias. Ahora bien, últimamente he colaborado en concursos públicos como experta en sostenibilidad, y… ¡ostras! Cuando ves ciertas propuestas u opiniones, piensas: “¡Esto no se puede hacer! ¡Es inaceptable! ¿Cómo pueden seguir vigentes ideas tan arcaicas en arquitectura?”. Y es entonces cuando siento que tengo que gritarlo bien fuerte. Me genera mucha frustración

 No nos gusta criticar a otros estudios. Preferimos centrarnos en hacer divulgación y en difundir una idea muy clara: el bioclimatismo es el único camino posible, y debemos recorrerlo juntos.

Que cada vez sea más habitual es fantástico, porque significa que la industria evoluciona, los costes bajan y todo resulta más viable. Nosotros estamos en el siguiente nivel: construyendo edificios plurifamiliares de la mano de un promotor con quien compartimos una gran conciencia ecológica y social. Estamos articulando una operación de autopromoción comunitaria: se compra un terreno, treinta familias construyen allí su vivienda y lo hacen a precio de coste. Eso supone un ahorro del 30% y una respuesta real a la crisis de la vivienda. También estamos trabajando con prefabricación a gran escala, para que todo el edificio sea de madera, y al mismo tiempo promoviendo la concienciación de los compradores: hacerles entender que pueden vivir en una vivienda sin climatización, con más confort y menos consumo.

Se avanza, pero demasiado lentamente —como en todos los ámbitos del activismo climático. En una conversación con uno de los autores de la nueva Directiva de Eficiencia Energética de la Unión Europea, me decía: “He aprendido que es difícil girar el timón cuando vas en un transatlántico”. Y ahora empiezo a entenderlo. Se trata de llegar tan lejos como puedas con tu lancha, y asumir que, de vez en cuando, habrá pequeñas victorias… y grandes retos.

No tanto desalentador, como un baño de realidad. Seguiré luchando, hasta el último momento.

Con ellos todo ha fluido desde el principio. Nos preguntábamos: “¿Cómo puede ser todo tan fácil? ¿Cómo nos entienden tan bien?”. Aunque son un estudio de diseño que no tiene nada que ver con nosotros, conectan muchísimo con lo que somos y lo traducen de forma limpia, clara, precisa. Su acompañamiento ha sido clave para mantener una relación sólida con nuestros clientes, incluso una vez finalizado su proyecto de vivienda. Desde el primer momento, su primera propuesta ya captó perfectamente lo que buscábamos.

Cada uno gestiona un área del estudio: él lleva el día a día de los proyectos y la parte técnica; yo me encargo de la comunicación, la captación de clientes… También influyen la crianza y la conciliación, que han marcado mucho los ritmos y el reparto de tareas. Para nosotros, el trabajo es una extensión de nuestra vida. Lo sentimos como algo muy nuestro. No es tanto que hablemos de trabajo como tal en casa o en el coche, sino de proyectos que nos ilusionan e ideas de negocio que nos encantaría poner en marcha.

Hay una parte de bienestar físico y sensorial de la que no somos del todo conscientes, porque todavía hay muchos aspectos de nuestras emociones y percepciones que se están estudiando. Es esa sensación que tienes al entrar en un lugar y notar que todo está en equilibrio: la temperatura es agradable, el aire no está cargado, hay armonía visual, ves verde, estás conectado con la naturaleza… Es eso que te hace pensar: “Ay, qué bien, quiero quedarme aquí un rato, por fin he llegado”. Es difícil de medir, pero tenemos muchas herramientas para conseguirlo.

Nosotros queríamos desafiar el mercado francés, que es miedoso, y Atipus tenía una visión arriesgada desde Barcelona. Trabajar con ellos es como un rodeo: hay que agarrarse fuerte. Siempre van un paso por delante. El reto fue canalizar esa fuerza creativa en algo que pudiera funcionar en Francia con el toque justo de locura.

Me gustaría que elegir un vino tome el menor tiempo posible y que el placer de disfrutarlo sea máximo. Mi trabajo no es hacer vino, eso lo hace el viticultor; yo creo la experiencia: quiero facilitar la elección para que la gente pueda concentrarse en disfrutar del momento.

Queremos democratizar el vino, abrir una puerta a quienes, alrededor de los treinta, empiezan a interesarse por este mundo. En España, y aún más en Francia, es común descorchar una botella en una cena con amigos y que surja la eterna pregunta: “¿Cuál abrimos?”.

Más allá de seleccionar vino, queremos contar la historia de quienes lo hacen. Es un producto con una carga emocional enorme: incluso la etiqueta influye en la percepción. Desde el primer sorbo. Conocer al viticultor que hay detrás puede cambiar la experiencia por completo. Esa es la magia del vino. 

Yo no soy de vino. De hecho, el día en que me guste, probablemente perderé el interés en Le Petit Ballon. Lo que me motiva es ayudar a la gente a descubrir qué les gusta, a saber pedir en un restaurante o elegir en un supermercado; usando palabras simples. Me atrajo la posibilidad de desafiar un mercado que se resiste al cambio. Desde mi experiencia en publicidad, siempre he tenido claro que la clave es diferenciarse. Le Petit Ballon ya lleva 12 o 13 años en esto, y la innovación no es opcional.

Vengo de Alsacia, así que el vino ha estado presente en mi vida desde siempre. Crecí rodeado de fiestas del vino, con sus excesos incluidos, pero antes de llegar aquí no era algo que realmente me interesara. No soy de los que han construido toda su trayectoria alrededor de este mundo. En Le Petit Ballon ya hay muchas personas que saben de vino. Lo que me motiva es mirar hacia otras industrias y preguntarme cómo podemos aplicar esas ideas en este sector.

Empecé como diseñador freelance. Aceptaba cualquier oferta para sobrevivir. Poco a poco, me fui adentrando en el marketing digital y en el branding y terminé descubriendo que lo que realmente me apasiona es construir experiencias de marca.

España está diez años por delante de Francia. El mercado francés está muy ligado al territorio, a los “castillitos”, a reivindicar el origen, la tradición, la historia, porque eso genera confianza. El reto está en encontrar etiquetas atractivas, aunque lo importante es el contenido. Nuestro trabajo es recordar: “No juzgues un libro por su portada”. En el español, en cambio, hay más innovación, más libertad creativa; se comunica el vino de manera inmediata y emocional.

Me encanta porque permite construir una relación real con los consumidores. Es como abrirles una ventana a algo nuevo en su día a día. No somos el Netflix del vino, pero me gusta pensar que, tras un día duro de trabajo, alguien llega a casa y descorcha una de nuestras botellas.

No hay un vino que guste a todo el mundo, y hasta los sommeliers con los que trabajamos lo dicen. Lo más interesante de su trabajo, creo, es encontrar vinos para un perfil de persona, no para un gusto personal. Al final, ellos también trabajan con un brief, como nosotros: por ejemplo, “buscamos un vino para una barbacoa con gente de 20 a 40 años”, y su labor es encontrar la mejor opción para ese uso, no la que ellos elegirían.

Intentamos que así sea. Llevamos un par de años trabajando en un proyecto que, con ayuda de la tecnología, nos permite crear perfiles para recomendar el vino perfecto. La parte más aburrida del vino, sobre todo online, es encontrar el tuyo. Cuando compras zapatillas, puedes filtrar por colores o modelos, pero con el vino es diferente: te enfrentas a cientos de botellas sin saber por dónde empezar. Nuestro objetivo es simplificar esa elección, entender con pocas preguntas qué te gusta y qué no. Lo fascinante es que los gustos cambian con el tiempo, incluso a nivel biológico: las moléculas de tu saliva evolucionan, así que lo que no te gusta hoy podría encantarte en veinte años.

Después de cuatro años en China y de viajar por todo el mundo, mi mujer y yo queríamos establecernos en Barcelona. Tenía mi propia empresa, pero sentía que me faltaba algo. Vi la oferta y me pareció un concepto genial. Lo más curioso es que el pueblo donde nací está a pocos kilómetros de la montaña Petit Ballon. Supongo que era cosa del destino.

Barcelona tiene una cultura del diseño brutal. Hay muy buenos diseñadores, desde el diseño gráfico hasta el interiorismo y la arquitectura. Hace años que me lo pregunto: ¿por qué?, ¿de dónde viene? Aún no tengo la respuesta.

En un momento, Le Petit Ballon se planteó hacer su propio vino. Intentamos desarrollarlo internamente: el resultado era bueno, pero no excepcional. Buscábamos una agencia con experiencia en el mundo del vino, y así di con Atipus. Más allá del trabajo, valoro mucho la relación humana que hemos construido. Después de casi diez años, eso es lo que realmente queda.

Nosotros queríamos desafiar el mercado francés, que es miedoso, y Atipus tenía una visión arriesgada desde Barcelona. Trabajar con ellos es como un rodeo: hay que agarrarse fuerte. Siempre van un paso por delante. El reto fue canalizar esa fuerza creativa en algo que pudiera funcionar en Francia con el toque justo de locura.

Me gustaría que elegir un vino tome el menor tiempo posible y que el placer de disfrutarlo sea máximo. Mi trabajo no es hacer vino, eso lo hace el viticultor; yo creo la experiencia: quiero facilitar la elección para que la gente pueda concentrarse en disfrutar del momento.

Ella quería retomar allí donde se había perdido la tradición iniciada por su abuelo a finales del siglo XIX, movida también por la herencia de su madre, quien tuvo que ponerse al frente de la bodega, una de las más antigua del pueblo, tras la muerte de mi bisabuelo. Fue muy valiente: se quedó con cuatro hijos a su cargo y una bodega con unos cincuenta trabajadores, liderando un negocio en un mundo muy masculinizado. 

En la década de los setenta, los hermanos de mi abuela estaban al frente de la bodega familiar, pero sufrieron una fuerte crisis debido a la mecanización del sector y a las dimensiones reducidas del negocio. Finalmente, la bodega se disolvió. 

Años más tarde, y con la vida profesional ya montada, mi abuela enredó a mi abuelo y a mi padre para recomenzar el proyecto con modestia, haciendo únicamente cuatro botellas en la bodega natural de su casa, pensando en el cava que ellos querían beber y en mantener la herencia y la tradición familiar. Allí, donde estamos ahora, tenían las condiciones óptimas para hacer crianza. 

Eso fue hacia 2012 o 2013. Desde 1987, fueron creciendo entre círculos de amigos, familiares y conocidos; es decir, gente que venía a llamar a la puerta. Hasta que llegaron a hacer unas 30.000 botellas; yo me sumé entonces. Venía de otro sector, el de la traducción y la interpretación, mucho más solitario, y empecé a trabajar desde el despacho familiar, como si fuera un coworking. De manera natural, fui entrando en el proyecto. A medida que mis abuelos se hacían mayores, comencé a ver lo que era una afición con una mirada más madura. Me di cuenta que era un mundo muy bonito, y también empaticé con el sentimiento de nostalgia que había motivado a mi abuela. 

En ese momento, el consumo de vinos y cavas también estaba cambiando. Los clientes ya no consumían un único producto de forma fiel, sino que querían probar cosas diferentes. Por lo tanto, o salíamos y empezábamos a llamar a puertas para situarnos en el mercado o dejábamos de existir. Así fue como decidimos enfocarnos en el mercado especializado: tiendas gourmet, restauración de nivel medio-alto y otros canales en que una bodega pequeña como la nuestra puede destacar. 

Para nada. Hace treinta o cuarenta años, algunas bodegas iniciaron proyectos similares cuando el mercado no estaba tan atomizado y no había una oferta tan amplia. Especialmente en el cava, que es muy marquista y de “sota, caballo, rey”, lograron cubrir un nicho: el mercado absorbía una demanda de consumidores que buscaban salir de lo clásico y probar proyectos más frescos. Hoy en día, el panorama es otro y diferenciarse es complicado. Además, han habido muchas adversidades en los últimos diez años. Hemos pasado por un COVID y, antes de eso, salíamos de una crisis económica. No hemos vivido nunca una época de vacas gordas, pero estamos contentos. El proyecto ha ido dando sus frutos. Quizá internamente percibimos que la rueda no gira tan deprisa como querríamos, pero el feedback es muy positivo. 

En el mundo del cava, las decisiones que tomas hoy tienen resultados visibles años más tarde. Por ejemplo, en un gran reserva, el retorno puede ser en siete u ocho años. Este funcionamiento anacrónico contrasta con la inmediatez del mundo actual, como el de Amazon, en que todo se entrega en horas. Nosotros trabajamos con una filosofía de crecimiento orgánico y lento, equilibrando las grandes inversiones que hacemos con la producción y lo que vendemos. No aspiramos a hacer millones de botellas, pero el decalaje temporal de las crianzas largas es un reto. 

Trabajamos con variedades autóctonas del cava, como el xarel·lo, el macabeu y la parellada, que forman la base de nuestros cavas. Priorizamos el proceso tradicional, con la segunda fermentación y la crianza en la botella, que aportan personalidad y carácter a nuestros productos. También nos define el trabajo en brut nature, sin añadir licores de expedición. Esto permite que el carácter puro del vino, junto con una buena materia prima y un proceso muy cuidado, hable por sí solo. Creemos que no hace falta maquillar un producto que ya ha pasado por tantos años de paciencia y transformación. 

Nos concentramos en lograr una vinosidad que surge del tiempo y de la crianza; es decir, transformamos un vino tranquilo en un vino espumoso con carácter, capaz de mostrar la complejidad y la personalidad propias de un gran cava. Este punto ligeramente amargo del brut nature es sutil y no invasor, pero ayuda a salivar, limpia el paladar y prepara para el siguiente bocado. Esto, combinado con la finura de la crianza, convierte nuestros cavas en vinos extremadamente gastronómicos, ideales para acompañar todo tipo de comidas. 

En un menú degustación, por ejemplo, los espumosos son perfectos porque permiten hacer transiciones entre sabores y texturas muy diferentes, manteniendo el equilibrio del paladar. Pero no solo en ocasiones especiales; también en casa, los cavas son increíblemente versátiles. Puedes empezar con una copa mientras cocinas, continuar con el aperitivo, acompañar durante toda la comida e incluso disfrutarlo en la sobremesa. A pesar de esta versatilidad, todavía hay que hacer mucha pedagogía. Muchos consumidores ven el cava como una bebida para el brindis final, a menudo cuando ya han comido en exceso y no pueden apreciarlo. Eso es un gran error. Es importante educar al mercado sobre los momentos óptimos de consumo del cava y posicionarlo como un vino gastronómico de calidad. 

Mi día a día implica gestionar múltiples tareas, desde trabajos manuales como preparar palés o cargar con el toro hasta decisiones más estratégicas. A menudo apago fuegos y ejecuto acciones urgentes, lo que me deja menos tiempo para planificar con calma y pensar a largo plazo. Una de mis prioridades es fomentar que pasen cosas, impulsar ideas y asegurarme de que el equipo pequeño con que trabajamos esté bien coordinado. Al mismo tiempo, dedico mucho esfuerzo a desestacionalizar el consumo del cava. 

A largo plazo, nuestro reto es establecer colaboraciones sólidas tanto con distribuidores nacionales como con importadores internacionales para crecer de un modo sostenible. Esto es especialmente importante teniendo en cuenta el gran decalaje temporal de nuestro sector, en que las decisiones tomadas hoy darán resultados en muchos años. Mi objetivo final es lograr un equilibrio que nos permita consolidarnos y crecer orgánicamente, a pesar de las tensiones y las dificultades que suponen las grandes inversiones que hemos hecho. 

Aunque queremos que el protagonista sea el contenido, el continente es muy importante para nosotros; y muy especialmente en un producto como el cava, que a menudo se utiliza en ocasiones especiales, como un regalo o un momento destacado. No solo se trata de si la etiqueta es o no bonita, sino que debe ser atractiva y coherente con los valores del producto. Esto es esencial para transmitir una imagen que genere confianza desde el primer momento. 

Cuando empezamos a trabajar con Atipus, sabíamos que no solo necesitábamos un rediseño de producto, sino que era crucial crear una identidad de cero. Partimos del escudo de la familia, un elemento tradicional que se reinterpretó para adaptarlo a un estilo más moderno. El objetivo era combinar tradición y contemporaneidad, rompiendo con los códigos clásicos del cava, que no han evolucionado a tanta velocidad como en el sector del vino. 

Un ejemplo de esta ruptura es la botella del Reserva, revestida de un color azul muy atrevido. Recuerdo, al principio, que nos pareció una propuesta arriesgada, pero Atipus nos hizo confiar en su visión. Entendieron que, como una bodega pequeña, debíamos destacar en una estantría llena de marcas muy conocidas. Lo consiguieron: el diseño no solo ha captado la atención, sino que también es reconocible y funcional para nuestros clientes. 

A lo largo del proceso creativo, dimos mucha libertad a Atipus y confiamos plenamente en su trabajo. Decisiones como la del azul del Reserva o las etiquetas en diagonal han cumplido su función de diferenciarnos y hacernos memorables. Ahora, diez años más tarde, podemos afirmar que estas decisiones fueron acertadas y que el diseño ha jugado un papel clave en nuestra identidad posicionamiento. 

Paciencia, tradición y territorio. 

Todo cambia de una forma tan impresionante: las personas, la cultura, las instituciones, los profesionales que trabajamos en ellas... También el TNC. Nacimos con la voluntad de ser la institución pública de referencia en el tejido teatral catalán. Había una voluntad de gobierno de fomentar la lengua catalana en las artes escénicas y de recuperar y poner en valor todo el patrimonio dramatúrgico catalán. Seguramente este papel tenía más importancia al principio, pero con el tiempo nos hemos convertido en el teatro de todos. El patrimonio del teatro catalán es fantástico, pero es necesario presentarlo con una visión contemporánea –entendiendo «contemporánea» como «de hoy en día»– para conectar con la sociedad. Así lo resume el lema que cuelga de la fachada del teatro: “El TNC, una puerta al mundo”. Una puerta que, como dice Carme Portaceli [actual directora artística], es «de entrada y de salida».

No sé si lo que te voy a responder es específico del TNC o de todo el sector comunicativo, porque ha cambiado abismalmente. Antes hacías un anuncio de televisión, publicidad en diarios… y poco más. Cuando empecé, justo estábamos trabajando en la página web del teatro. ¡No existían los móviles! Las vías para llegar al público han cambiado totalmente. El público ahora está fragmentado –como todos nosotros. Antes, tocando un par de teclas llegabas al público general. Ahora tenemos que saber quién es cada público y adaptarnos a él.

Hacemos un trabajo muy riguroso de estudio del público. Sabemos quién viene al teatro, cómo son y cómo se comportan: si compra una entrada, si es público fiel, si es nuevo, si ha venido diez veces en los últimos cinco años… A veces impresiona tener esta información, pero como ciudadanos dejamos rastro de todo lo que hacemos en la red. También contamos con datos sociodemográficos. Sabemos que una parte importantísima del público es del barrio del Fort Pienc y que entre un 60 y un 65% de las compras de entradas las realizan mujeres. La edad media antes era de 60 años, ahora es de 45-49. Esta información es clave para la comunicación del teatro. Hoy en día, para llegar al público, es necesario tocar mil teclas y personalizar la comunicación de cada espectáculo. La publicidad programática y las herramientas digitales nos permiten hacerlo.

Nuestra singularidad es esta: somos el teatro público de referencia en Cataluña. Existe un documento, que a pesar de ser técnico tiene mucho espíritu, que dice literalmente: «El TNC es una institución cultural creada para contribuir al crecimiento cultural del país a través de las artes escénicas». ¿Por qué hacemos las cosas? Para llegar a las personas. Con toda la humildad del mundo. Por supuesto que debemos tener a las personas como eje de todo. A todas las personas.

De esta voluntad de contemporaneidad, de estar atentos a lo que nos rodea. Según cómo, puede parecer una contradicción, porque como institución cultural pública no estamos en los márgenes. El hilo conductor de la nueva temporada surge de la dirección artística de Carme Portaceli, quien quiso abordarlo porque, como dice ella, “solo desde los márgenes podemos transformar y avanzar”. De ahí que se haya hecho una selección de espectáculos que, de manera más directa o tangencial, hablen de otras formas de ver y entender el mundo. No se trata tanto del elemento marginal como de formas de hacer cultura que aporten diversidad y aborden el debate actual.

Es un concepto muy abstracto de comunicar, especialmente en el diseño. Hay un elemento de continuidad en la comunicación del TNC: siempre aparecen personas, sean o no rostros conocidos. Los márgenes los vinculamos en un vídeo con un amanecer, que simboliza los nuevos comienzos. Pero más allá de eso, velamos por hacer marca TNC: no somos un teatro que hace espectáculos, somos la institución pública catalana dedicada al teatro. De ahí la continuidad y coherencia gráfica, y también en el relato. Procuramos no ser demasiado evidentes; hay que confiar mucho en el producto, que es una creación cultural. La tarea del equipo de comunicación es acompañar de forma respetuosa, sin ser demasiado directos ni discursivos, porque eso no tendría credibilidad.

Es una gran pregunta y no tengo la respuesta definitiva. Veo muy acertada la integración de mundos diversos y de los márgenes. Solo desde la escucha activa se puede hacer teatro y cultura y contribuir así de alguna manera. Tendremos que seguir siendo tremendamente receptivos, abiertos y atentos a la diversidad, a los cambios de la sociedad y a los temas que nos preocupan a todos. Esto solo se puede hacer haciendo teatro, por supuesto, pero también acompañando al público para que lo disfruten y redondeando ese hecho teatral: que te abra algo por dentro, una nueva conexión, que te lleve a otro teatro o a descubrir a un actor que te encanta... Creo que el debate entre alta y baja cultura ya está superado. Entre todos, podemos construir un mundo mejor, escuchándonos unos a otros. Y el teatro es uno de los mejores lugares para hacerlo.

Ha cambiado la vida, es muy diferente. Mira, de aquí, de la portería, salió una de las primeras excursiones que hizo el centro excursionista catalán. Antes esto era más familiar. Y antes el barrio era diferente: había panaderías, lecherías, ¡hasta vacas en las lecherías! Ibas a buscar tu leche ahí.

Recuerdo que por Reyes, oías a los caballos en los adoquines, y pensabas que ya llegaban con los juguetes. Oías el ruido de las patas y te hacía ilusión. En mi casa dejábamos los calcetines colgados en la chimenea y al día siguiente estaban llenos de caramelos y juguetes.

Sí, sí, aquí vivieron los hermanos Llimona. Uno era escultor y el otro pintor. Tenían su estudio en la planta de arriba. El escultor, imagino que tenía que subir las piedras por el ascensor. Mi padre, que era arquitecto, conocía la casa bien. En casa teníamos doble altura en el techo para que entrara más luz, porque ahí trabajaba el pintor.

Mis padres quizá sí. Porque hicieron obras en el edificio. Ellos vivían en la planta de arriba y abajo tenían el estudio. Mi madre también pintaba, aunque más como aficionada. Hacía cuadros pequeños, a veces de santos o paisajes, y la verdad es que le salía de maravilla.

Mi padre era arquitecto, sí, y él se encargó de las obras en nuestra casa. Teníamos una zona con techo doble, que permitía que entrara más luz por los lados. Para él, la localización del edificio era perfecta. Estaba contento con la ubicación, aunque nunca le pregunté qué pensaba del edificio en general.

Bueno, cuando el banco compró el edificio, subieron una planta y cerraron los patios con cristalera, lo cual fue una mejora.

Antes de eso, el edificio tenía otro ambiente. Era más familiar, y se respiraba una cercanía entre vecinos.